图画史读后感精选

《图画史》是一本由[英]大卫·霍克尼 / 马丁·盖福德著作，浙江人民美术出版社出版的精装图书，本书定价：250.00元，页数：360，特精心收集的读后感，希望对大家能有帮助。

《图画史》读后感(一)：细节备忘

陈丹青的局部第二季提到此书。霍尼克说西方有自己的笔墨，他们能懂，虽然不同于中国的笔墨，近乎绘画史上的人类学考察，笔触速度与完成度的对比，个性的彰显。卡拉瓦乔不用素描在画上作记号，模特组合拼贴，画中黑暗很像暗箱投影所需环境，说卡式绘画有好莱坞效果，真是深得我心，弗兰德斯画派的光影运用，从扬凡艾克到维米尔的绘画语言的剖析，维米尔的两幅vedute之一，画delft风景时，就有艺术史家提到他使用camera obscura，他和发明显微镜的列文虎克关系密切，尼德兰镜片生产的繁荣。维米尔模特面孔的不实在与长时间投射不能静止一个人有关。并且他没有素描传世。Jan Steen的Delft市长中的比例与阴影的缺陷，威尼斯的canaletto试用投射，并修改比例。安格尔使用照片来辅助绘画。观看的效果有记忆的成分，蒙娜丽莎的朦胧是失焦带来的效果，也是诗意的来源，Google相机算法将时间凝结在图像上。普桑的istoria画面的使用人偶来横向人物排列以展开时间，克劳德洛兰的画面非常像舞台布景，有戏剧感。从克劳德素描来看，他对相机投影是熟悉的。画面上空间的创造是透视法的成果，拜占庭与中世纪的反转透视法。德库宁说油画的发明是为了画肉。扬凡艾克发明了油画。绘画技术的改变，从颜料性质到成像素描技术，印刷传播媒介，媒介即信息。艺术与科学的重叠。导演受绘画构图的影响。Photoshop是贯穿人类历史心灵的一种观念，不同时代因应技术不同而有不同的展现。

《图画史》读后感(二)：果冻传媒仙踪林视频在线观看最新

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在咖啡厅听到一段熟悉的音乐，内心早已波涛汹涌；在四下无人的夜里，翻看曾经的照片，最后流着泪失眠。

惦记一个人的时候，我们表面上也许云淡风轻，但是整颗心却已经为了他而沦陷。

不果冻传媒仙踪林视频在线观看最新管他在不在你身边，你都会期望起床第一眼看到的人是他，睡前和你说晚安的人是他。遇到开心的事你就想和他分享，心里有了委屈你就希望与他诉说。

你会在空闲的时候安静地想他，也会在忙碌的间隙不自觉地牵挂他。无数次点进他的朋友圈，只是想知道，他是否过得好。你也总是比别人更加懂他，即便他什么都不说，你也能察觉到他的开心与难过。

惦记一个人的滋味，我们的心里最清楚。那是一种牵肠挂肚的想念，是你的满心满眼都只有他。有时候，惦记一个人真的很辛苦，因为你的欢乐和悲伤都随着他而改变；可是有时候，又觉得惦记一个人很幸福，因为想起你们之间美好的点滴，整颗心都会被甜蜜包围。

这一辈子不短不长，能让我们发自内心地牵挂着的人不多。虽然惦记也常伴着心酸，但是如果有得选择，你还是会希望，有那么一个人可以放在心里惦记着。

在未来的日子里，愿你惦记着的那个人，也同样心心念念牵挂着你；这样的想念，哪怕眼角有泪，心中也是甜的。

《图画史》读后感(三)：一支神笔走天下

中国民间传说张僧繇画龙点睛或是童话故事里的神笔马良在西方也有对应。据普林尼记载，希腊画家宙克西斯和帕拉西奥比赛谁的画逼真。宙克西斯的葡萄引得飞鸟啄食，他胜券在握地要求帕拉西奥揭开作品上的罩布，惊觉罩布就是对手的作品。

但是东西方传说只是表面相似，本质上是不同的。艺术家大卫·霍克尼和艺术评论家马丁·盖福德在《图画史：从洞穴石壁到电脑屏幕》一书中，搜寻同时期作品，试图呈现宙克西斯骗过飞鸟的葡萄。在自然主义绘画兴起之前，利用阴影和透视描绘逼真的事物就在一定程度上左右人们对作品的评价。而中国画由来讲求气韵生动，寥寥数笔也能实现视觉上的逼真。譬如张僧繇画龙，谁人能知它的一鳞一爪是否逼真？排云直上是因气势神韵，足以呼风唤雨，威慑众生。

随着技术的发展，今日人们几乎达成共识，不再单以毫发毕现的逼真程度衡量艺术优劣。但真实性依然是品评作品的重要话题。艺术的真实性可指对观者感官和心理的冲击，亦可指借助何种手段、有无“作伪”。《图画史》的两位作者撇开雕刻、建筑这类外行无从下手的技术活，把焦点放在“一切再现三维世界的平面”，却发现二维世界的技术也不简单，变迁背后的支撑正是所谓的真实性之争。

作为一个艺术家，大卫·霍克尼拥有将好奇心转变为创造力的天赋，常常将图画史上被当事人讳莫如深的技术与现代艺术相结合，“玩”出新作品。他另写过一本名为《隐秘的知识》的揭秘书，仅以与图画史的交集来看，也险把大师拉下神坛：普桑作画要借助许多小模型，搭一个虚拟舞台确定构图；卡拉瓦乔让模特分别摆好姿势，在画纸上排列组合；维米尔精彩的光影效果是借助走入式相机实现的。怨不得画家，一切皆因对真实细节的精益求精。摄影技术的发展并没有将人们解救出来，须知，历史上令人印象深刻的照片没几张，好些还被质疑是摆拍之作。拼接、合成、电子屏幕更不必说，缘木求鱼后，人们回到原点：还是绘画更可信。

这真是一个悖论！同样的悖论，图画史上不是俯拾皆是吗？世人以拒绝笔触为美，马奈因坚持他的笔触大获成功；以正确透视为美，毕加索的视角影响岂止几代人；以和谐统一为美，野兽派和达达主义横空出世……其实并不是因为审美疲劳，而是审美不光是眼睛的事。照片的光影与真实世界未尽一致，情感上的触动足以忽略表现手法的扭曲。

盖福德提到，现今，摄影已经是件太容易的事。但可能，坐拥上千张照片的我们分配给每张照片的时间变少了，也鲜有印象深刻、会反复玩味的图片了。霍克尼则提醒我们，大众传媒也已碎片化，将来没有人会出名。皮之不存，毛将焉附？一边是图画的泛滥，一边是关注点的分散，图画的未来何去何从？

这个问题难不倒神笔马良。他一蹴而就挥毫济百姓、脱困境，而同一支神笔到了他人手中总引来灾难。放在图画史上，它像是对技术的反讽。而我们知道，答案应当在心里，基于想象力、同理心和爱，真实性才能走得更远。读图时代、信息碎片化、全民皆创作，才不会成为桎梏。一支神笔可走天下！

——丁酉年读《图画史》

《图画史》读后感(四)：照片能终极图画吗？

照片能终极图画吗？ 夏学杰 由于拍照技术对世界影响如此之深刻与广泛，世界瞬间就驶入了读图时代。《图画史》一书言：“图画强烈地影响着我们观看世界的方式。大多数人宁愿看图而不愿读文字，可能永远都会如此。”当前是图画史上一个激动人心的时刻，“现在只要愿意，你就可以生活在一个虚拟世界中，也许大多数人将在那样的世界里了却一生——一个图画的世界。” 图画是再现世界的方式，也是理解和检验世界的方式。《图画史》主要写了两个问题：我们是怎么看的，又看到了什么，以及将观看体验翻译到二维平面上的各种方式。 本书由英国艺术家大卫·霍克尼与艺术评论家马丁·盖福德合著而成，形式为谈话语录体，二人就世界图画史一顿神聊。霍克尼说：要转述所见，唯一的办法是用图画。然而一切图画制作者都面临一个共同难题：如何将三维的人、物和场所压缩到二维平面上？对这个难题有各式图画作为解答，这些图画常常被归入“绘画”“摄影”或“电影”等鸽子笼里，而另一种思路是用时间和风格对其分类：中世纪、文艺复兴或者巴洛克。可是霍克尼提出，不论制作工具是画笔、相机抑或电脑程序，不论所处位置是在洞穴石壁上还是电脑屏幕上，它们首先都是图画。为了理解人类如何观看周遭世界，进而理解人类自身，我们需要一部图画史。 凭借大半生从事绘画、素描及使用相机制像所掌握的知识、所具备的热情，霍克尼与盖福德共同探索人类在历史上如何制作图画以及为什么要制作图画。平面上的笔痕为什么会有意义？怎么在静态图画中呈现运动？反之，电影、电视与老大师们又有着怎样的联系？有哪些办法，能够将时空压缩进一幅静态图像里——不论是布上的还是屏幕上的？图画呈现的是什么——是真相还是谎言？照片是以我们的体验方式来再现世界的吗？ 通过将丰富的图像并置在一起——迪斯尼动画片的定格画面与歌川广重的日本木版画，爱森斯坦执导的电影剧照与委拉斯开兹的油画——两位作者跨越了通常横亘在高雅文化与通俗娱乐之间的界限，并将不同时代和媒介别开生面地联系在一起。以霍克尼里程碑式的著作《隐秘的知识——重新发现西方绘画大师的失传技艺》为基础，两位作者进一步提出电影、摄影、绘画和素描之间具有深刻的内在联系。《图画史》富于洞见、发人深省，对认识人类如何再现现实裨益良多。 本书认为，艺术并没有进步。最好的图画有些就是最早的一批画。艺术家个人可能在发展，因为生活在变化，但艺术本身并不发展，因此“原始”艺术这个概念是错的，因为它假设艺术在进步。 陈丹青曾说：“我鼓励所有年轻人减少架上绘画，他们应该多搞影像，搞新媒体。现在人人一个手机，制造图像的方式已经完全改变了，新的艺术根本不是绘画、不是装置，而是影像艺术，是数码艺术。绘画已经是边缘的、没落的美学。”本书的观点则与之相反。本书云：“图画不会消失。每个人都以为电影会杀死戏剧，可戏剧永远都会存在下去，因为它是生动鲜活的。素描和绘画将存在下去，就像唱歌、跳舞，因为人类需要。我相当肯定，绘画将来会发展壮大。”“今日世界充满图像，但这些图像——其中的大多数——并不能让人记忆深刻。拍的照片越多，看每张照片的时间就越少。在过去，手边只有不多的几张照片，可现在照片的数量每年都以上亿的数量增长。这许多照片的命运如何？人们怎么看它们？怎么保存它们？它们中的大多数可能都被丢弃，几乎一到手就立刻丢弃。”作者还以乔？萨科的素描《长城》为例指出绘画的优势所在：乔？萨科呈现的细节比电影好得多，每个小人都画出了面孔。这儿是野战厨房，那儿有坑道厕所，画面持续不断，穿过战场，夹杂着巨大的爆炸，全画结束于埋葬死者之处。从照片上你可见不到这么多内容。“照片一度被看作终极图画，其实不是。目前，照片正经历着一场危机，Photoshop软件和数码编辑技术的应用清楚表明，没有理由相信照片的真实性胜过绘画。其实现在应该相信，绘画的真实性也许更强。” 霍克尼对中国文化颇为了解，著有《中国日记》。他对中国书画的笔法甚为推崇，云：以前的中国画家都勤于练习，比如画一只鸟，反复练习。开始可能用10笔，接着慢慢减少为3至4笔。他们运用毛笔、执握毛笔的方式都很特别，笔痕特神奇。“我曾经观看一位中国少年画家画猫，其每一笔的位置都很完美。他就像个小毕加索。中国文字的书写也很神奇，中国人到现在仍在练习书法。书法讲究的就是小笔痕的微妙变化，他们的书、画之间是紧密联系在一起的。”他甚至还怀疑伦勃朗肯定知道中国画，也许还见过几幅。因为他觉得，伦勃朗的素描中有中国笔法的影子。本书指出，中国画没有固定视点，其观看系统依赖的是移动视点。不过，作者也叹惋道：“一位研究中国艺术的学者告诉我，中国人现在已经忘了移动视点的原则，摄影正以一种汉语和英语都不曾达到的程度主宰着世界。” “当你过往的一生都在画画中度过，你还会有什么别的需求吗？”妙语连珠的谈论，再配上世界顶级绘画作品，本书给人以视觉上的盛宴。霍克尼在1980年前后见了夏加尔的孙女。谈到她祖父——当时已经90多岁了——她说：“他的一切需求就是坐在工作室里画画。”霍克尼感慨道：“我想，是啊，当然，当你过往的一生都在画画中度过，你还会有什么别的需求吗？人老了，你就意识到和画画相比，其他一切都不算什么。”

《图画史》读后感(五)：笔锋传递的历史进程

一个时代的历史要能在后世中完完整整的呈现出来，必须具备两样东西，一是文物，二是史书记载，两者兼具时，历史才具有可信度，但有一样东西既可以代表文物，又可以代表史书，那就是“画”！一幅画既能体现出时代的精神面貌，又能够体现出历史中的文化，欣赏一件艺术作品的时候，只有参透艺术家所处时代，才能深层次的了解作品的意义，否则只是走马观花，知其然而不知其所以然，只能停留在表层作画手法的欣赏。一幅画的诞生，就是绘画者的精神空间由虚拟化转为实体化的过程，作品中所蕴含的信息若是细细揣摩，其个中三昧一探便知。

曾经看过一段简短的影评，“终于在电影院熬了两小时看完了这部PPT”，网友用戏谑的手法评论烂片，但也是有理有据的，有研究学者说过，当物体快速运动时，人眼所看到的影像消失后，仍能继续保留其影像二十四分之一秒左右的图像，这种现象被称为视觉暂留现象，也就是说无论帧率有多高，60帧或120帧，我们仅仅能分辨其中的只有二十四帧，PPT是由一张张图片构成的，网友的说法，也正是验证了视觉暂留现象的理论。对于我这个九零后来说，图画的历史，在我的记忆中就是由黑白色的《老夫子》到石挥的黑白电影《鸡毛信》，再由彩色的《葫芦七兄弟》到摄影大师卡梅隆带来的第一部3D电影《阿凡达》，去年奥斯卡得主李安的新作120帧拍摄的《比利·林恩的中场故事》更是将图画的表现手法推向了巅峰。

当今国际画坛最具影响力的大师，被称英国艺术教父的大卫·霍克尼与著名的艺术评论家马丁·盖福德在《图画史：从洞穴石壁到电脑屏幕》一书中，对绘画的历史进行了详细的阐述与客观的评论。霍克尼在先前的作品《隐秘的知识——重新发现西方绘画大师的》提出过一个发人深思的观点，他不仅指出西方一些伟大的艺术作品是借助镜子和透镜画成的，而且讲述了光学镜头的观看方式如何逐渐主宰绘画的过程，他的观点一经提出，就引起了轰动，激发了科学和艺术史领域的佼佼者热烈的讨论，在《图画史：从洞穴到电脑屏幕》这本书中，他再一次将这个观点提上案头，补充了新的证据，并进行了细致入微的探讨。

图画的产生，是因为人类想要将重要的事物记录下来，就如人们去旅行时，见到漂亮的风景，情不自禁的掏出手机或相机拍照留恋一样。图画的本质是要在二维平面上再现三维，人们用自己的方式观看世界，再用不同的绘画方式记录下来，延续自己的精神空间。在绘画的过程中，最重要的是画出时间与空间，人类不可能不处于静止的状态，尤其是人眼，它一刻不停的运动着，观看方式的变化会导致视角的变化，如拜占庭和中世纪的艺术家会用一种称之为反转透视的技术，它的作画手法在乎的是观众，它能根据观众的视角而移动，描绘祭坛或桌子呈现描绘对象的左、右两个侧面，观众可以同时看见对象的两个侧面，而离观众最近的则是中间，等轴透视在中世纪的壁画中也十分常见，在等轴透视中各条透视线不会相聚于一个灭点，一个切都保持平行。观看此类作品时，仿佛就是经历了一场时间与空间的旅行，这是艺术家对现实事物最为具体化的表现。曾经去敦煌的莫高窟游玩过一次，1200多年来积蓄的宝藏全部储藏在阴冷的洞窟内，宣传释伽牟尼生平事迹的佛传故事画以及说法图数不胜数，它与中世纪的拜占庭镶嵌画有着异曲同工之妙，他们都是将宗教晦涩的教旨用言简意赅的表现方式绘画出来，站在方寸的洞窟内，我仿佛置身于虔诚的佛教徒之间，同他们一起感受佛教的伟大与包容。

在绘制画作的工程中，还有一个重要的表现手法——阴影，人眼看到的万物是有体积的，二维平面上表现出三维的效果，再现出物质的体积，就必须得把握如何描绘实物的阴影，在东方的艺术画作中，很少有阴影的存在，阴影是将西方艺术与其他地区艺术区分开来的主要差异，书中，作者列举的大量的例子，比如说达芬奇的《蒙娜丽莎的微笑》，他是最早融入阴影的肖像画之一，为何这幅画作能闻名全球，与画作中阴影的表现方式有着密不可分的关系，面部的亮光，鼻底的阴影，从颧骨到下颚阴影柔和的过渡，完美的将肤色由亮到暗呈现在了纸张上，达芬奇在人物情感的表达上全部在阴影部分展现的淋漓尽致，那神秘莫测的千古奇韵让人回味无穷。

书中还提出了非常新颖的观点，许多古时的画家都是通过小孔成像来创作的，他认为这是科学与艺术的完美结合，庞大的事物成像后缩成手掌般的大小印在纸上，更易于绘画，有人觉得这些画家是在描摹，不是真本事，我和作者持相同的观点，我并不这么认为，从生活中的琐事去看待这件事情，你会发现，这并不是描摹而是更为聪慧的创作方式，例如生活中常见的凸面镜，他主要运用于各种弯道、路口，可以扩大司机视野，及早发现弯道对面车辆，以减少交通事故的发生，许多人在路过凸面镜时，都会驻足观看一会儿，或者对着镜子拍下一张照片，这其中的个中三昧如绘画一样，凸面镜可以呈现出更为广阔的视角，借助这面镜子，你可以发现视线盲区外的事物，勾勒出更为磅礴的绘画体系。

有人以为电影会杀死戏剧，可戏剧永远都会存在下去，因为它是生动鲜活的；有人以为电子书会杀死实体书，可实体书永远都会存在下去，因为它是流传千年的古人的智慧结晶是无法被高速发展的科技取代的；有人以为素描和绘画会消失殆尽，但他们会一直存在下去，就像唱歌，跳舞，因为人类需要，图画史不会终结，他会就这延续下去，直到永远。