点线面经典读后感有感

《点线面》是一本由[俄]瓦西里·康定斯基著作，重庆大学出版社出版的平装图书，本书定价：39.00元，页数：176，特精心收集的读后感，希望对大家能有帮助。

《点线面》读后感(一)：艺术创作的三个阶段

第一遍读下来，第64页的这一段文字引发了我强烈认同：

在作品的构想阶段，思维敏捷，跃跃欲试

在作品的实现阶段，举重若轻，沉着克制

在作品的完成阶段，画意达意，心怀遗憾，可谓‘意兴阑珊’

其他的都还消化不来，虽然相比百年前，我们已能接受这种“非物质主义绘画”，甚至已经在抛弃写实（看看大家的头像，都处理成平面了），但还是消化不来。我从没去量化地看，也没仔细揣摩过这些要素。还是要时间。

《点线面》读后感(二)：一个理论带来三门课程

古希腊有位哲学家认为，演绎和逻辑推理并不能带来新知识，因为结论已经包含在前提中。

现代科学是基于这样一直思维程式，提出一个预设，对预设给予推导和证明。

康定斯基的理论即类似于此，它基于工业文明，想把艺术学转化为科学。虽然很多用语并不精确，源自艺术通感，但这种努力和尝试还是有一定价值的，而且影响非常深远。毕竟现在高校设计类专业里的三大构成就是因他而设立。多少学生学得恼火，又有多少学生因此挂科，补考费也不便宜。

《点线面》读后感(三)：关于康定斯基“点线面”理论的延伸和发展

在康定斯基的《点线面》一书里，康定斯基分别赋予直线、竖线、斜线情感定义：1横线的基调是冷静、平直；2、竖线的纵深对应横线的平直，其温暖对应横线的冷静；3、对角线处于横线和竖线的对分角，对角线是无限冷暖能的最简形式。 众所周知，康定斯基的抽象画灵感来源于音乐。关于康定斯基的这一理论，我结合自己的看法，对其理论进行了一些延伸和发展，形成了新理论： 1、竖线的情感可以理解为激进、上升。由于这种无限暖能是纯粹的暖能，所以竖线可以对应为音乐里的大调音阶； 2、横线的情感可以理解为抒缓、和平，由于这种无限冷能（外冷内热）是纯粹的悲伤，所以横线可以对应为音乐里的小调音阶； 3、对角线的情感可以理解为刚柔并济，没有绝对的快乐也没有绝对的悲伤，因此对角线可以对应为音乐里的半音音阶。比如，当我听luis Miguel的音乐《Sabor A Mi》时，进入的第一个小节是纯粹的大调旋律，给人以欢快阳光的情绪。接着第二个小节的主调旋律依旧重复了第一小节的主调旋律，但是伴奏旋律出现了升降音。这在乐音传递的瞬间，情感不再是纯粹的阳光和欢快，同时掺杂了一丝抒情的成分。但这种抒情并不悲伤，只是在阳光的基础上多了几分别样的色彩和成分，由竖线开始往斜线的倾向靠近。可以诠释为悸动的阳光，因此音乐的旋律开始增添一丝浪漫的气息。

由此，这便可以理解为什么半音（升降音）传递的情绪相对复杂，因为半音没有无限欢快和悲伤的情绪倾向，半音代表五味陈杂。

《点线面》读后感(四)：同一扇门后的不同风景

长期以来，人们习惯性地认为，艺术创造是非理性和潜意识活动的结果，“缪斯”女神何时到来，是艺术家本人无法用理性和意志控制的。而康定斯基的艺术理论研究，则尝试将艺术家的灵感归纳成系统性的理论，将艺术创造变为艺术家可以用理性控制的过程，让艺术家从灵感的奴隶，翻身成为灵感的主人。

在《艺术中的精神》里，康定斯基论述了色彩、构图、物象对艺术效果的影响，认为只有脱离具体物像的抽象艺术，才能纯粹、顺畅地表达精神，让艺术真正地实现自由。

本书延续了《艺术中的精神》，对平面构成的三大元素，即“点、线、面”的形式特点进行了全面的分析和论述。书中常将绘画与音乐进行类比，论述了在绘画中体现时间的可能性。康定斯基的艺术理论带有强烈的个人主观色彩，伴随着大量插图的讲解有一种催眠的效果，让人从一开始的怀疑逐渐变成深陷其中。

可是果真如此吗？

艺术的内在驱力是因人而异的，色彩、形式和元素对每一位观者所产生的心理暗示也不尽相同。对单一元素的感受，比如红色是暖色，斜线有运动感，圆形是稳定的等等，可能观者会有近似的感受。但是在面对康定斯基的大型抽象作品时，画面中丰富的元素一下子涌入大脑，会有一种眼睛和心灵不同步的感觉，就像是在淘汰的的电脑上运行最新的软件一样，会产生各种延迟、变形、黑屏甚至宕机。当无法对面画整体做出分析判断时，观者会将视线转移至画面的局部，因此，在观看抽象画的时候，每个观者的感受取决于观看到的那个部分而不是整体，从局部观看中获得的体验叠加起来，也不能等同于整体。

这大概是抽象画最有趣的地方。即使有艺术理论这把万能钥匙，打开的同一扇门的后面，每个人看到的仍然是不同风景。

《点线面》读后感(五)：The Limits of My Languages Are the Limits of My World

本书的内容，包括序言，都比较玄学。说得不好听些，就挺神棍的。纵使 Кандинский（以下简称康）口口声声说抽象艺术是精确的科学，但最终还是落点于经验之上，得到自以为具备普遍意义的总结，却未形成任何行之有效的公式。他有意在书中模糊声音元素与视觉元素的界限，使用音乐语汇阐述画理，乃至借用多种通感来解析点线面的体系构成——这种带有神秘主义色彩的语境让人觉得富有诗意，但当聚焦到理论的推敲时，未免显得有些含糊不清、缺乏逻辑。

但不得不说，康对于抽象艺术的开拓与探索确实值得称道——剔除纷繁嘈杂的修饰，将艺术构成还原到单一的原初型——即书中提到的 purposeful subordination 和 concrete pictoriality。比野兽派、表现主义更进一步，完全抛弃了具象对象及其支撑的美学价值，不再受制于物质客体，将视觉传达凝聚在最简单也是最丰富内涵的点线面中——「形态越抽象，它的感染力就越清晰而直接」——当绘画或者说艺术表现需要某种纯粹的、普遍的、达成人类共识的精神，那就需要抑制情绪性的、偶然性的、过于具体的精神。而这种简单的抽象形式的构成有着无限的外延和所指的内涵。

简而言之，即是通过调节艺术讯号对人类官能的感受，对二维平面的表达范式的精准重构。时至今日，除却情景的再现和事实的记录，艺术家的创作需要根据审美冲动寻求更高级的创意形式，也让观者感受到纯粹节奏的生命力和形式本身的 in-between 趣味。

而在这一点上，看似是形上学，实际依旧受限于人类本身官能体验的感受度，或是生活、自然的规律。所谓的通感研究和艺术的通性，可能不过是物质存在法则的再现与表达，最终还是难逃具象的窠臼——或许是人类精神内涵这个主题太过宏大、难以捉摸了，也不妨降低些许期待，转而只考虑表层的沟通与联结，也就是康所言的观者与艺术品之间「透明却坚固的玻璃壁」。

非物象绘画中形式的灵动美感和韵律，隐约中包含着纯粹的和谐秩序，使得整幅画成为有界的动态表达——冷暖，色彩，声调，呼吸的韵律，时间的流动，戏剧性，乃至痛感，在观者领会由艺术家最初的审美冲动带来的精神震颤之时，亦是其潜意识回归纯净感受的过程——在某些瞬间，或许可以感知到宇宙的无限和意识的美妙，达到 the oneness of human and divine 的境界。

对于整个螺旋向上发展的人类艺术和其审美的理念之路而言，康的点线面和构成的理论提供了一个重要的思路，现代人不再满足于外在的物象，需要凝视和倾听更精妙的东西，抓取艺术因素背后的不可见因素。或许如 Wittgenstein 所言：The limits of my languages are the limits of my world. 视觉语言何尝不是如此呢？

此外本书的排版和翻译特别棒，值得阅读。