《自制美学》读后感1000字

《自制美学》是一本由[美] 克莱门特·格林伯格著作，重庆大学出版社出版的平装图书，本书定价：45.00元，页数：288，特精心收集的读后感，希望对大家能有帮助。

《自制美学》读后感(一)：自制审美人生

审美体验与审美判断是一体的，无法割裂。

审美体验只专注体验自身，其手段亦是其目的。

审美人生是可能的，只要它摒除利益考量，专注自身。

艺术家的人生，是审美人生的典范。这是缘何他们活得最为真实的原因。

进入审美状态，即先保持审美距离。远离经验之我，让感官进入自然开放的状态。

越“无我”，越真实。“情感越是’一般’，认知能力就越更具包容性和综合性。”P10

用审美的方式去直接感知和体验任何事物，看见其本身（内与外），这与佛家所说的觉知相似了。

佛家对待人生的态度，是否像把一切都当艺术作品来感知与体验？此话再议。

审美体验本身就是其价值。不是让你增长了见识，取得实际利益……而是愉悦了感官，增进了感知能力。

爱同样如此。因为她本身而爱她，这种爱的体验就是其价值。

《自制美学》读后感(二)：关于前九篇文章的翻译指摘

如题，只涉及前九篇文章的内容。

《审美判断》

第24页第四行“都是麦基与父亲结盟”应该为“但是麦基与父亲结盟”

原文如下：

并且建议后面的“这就是《金碗》”的“这”字去掉以使句子通顺。

《趣味会是客观的吗》

第27页倒数第二行

"实际上，那些话和文章如果没有承认趣味决定这个前提照样可以写，照样可以说，这也不是问题。”意思翻译反了。

原文如下：

应该是：实际上，也并不是说那些讨论与著作可以不在承认趣味决定（裁决？）的前提下能够出现。

《惊奇因素》

第39页倒数第八行

“经历了狄更斯或印象派画家”后的句号应该改为逗号，并且此句的“每经历一次变革”稍微有些意译，但是问题不大。

原文如下：

《判断与审美对象》

第52页第五行

“也不是通过非直觉的方式”翻译意反，应该为“也不是以直觉的方式”。

原文如下：

《惯例与创新》

第58页第八行

“长官意志与个人意愿”要是更直译一点就应该是“（强制性的）法令（命令），意愿与意志”。”长官意志“也行吧。

原文如下：

以上是读书过程中发现的不太对的地方，若有错误请大家指正，若有补充则感激不尽！

《自制美学》读后感(三)：格林伯格，被火热时代掩盖了的沉静与优雅

孔锐才

来源：澎湃新闻

照片中的克莱门特·格林伯格和他的艺术评论一样犀利而冷峻地注视着喧嚣的世界。谈到格林伯格，人们无法不联想到他身上所贴着的一系列先锋标签。在上世纪中期美国现代艺术的黄金时期中，他是前卫艺术品味的重要缔造者，是美国第一个具有国际影响力的流派“抽象表现主义”的主力推广者，是美国本土精神艺术家代表波洛克（Jackson Pollock）的最早挖掘者之一。

但是，格林伯格的真实线条并非媒体通常所塑造的那样尖锐和强硬。格林伯格身上有着那个火热时代掩盖了的沉静和优雅。这种独特气质只有在上个世纪70年代后随着现代派开始式微时显现出来。当先锋艺术和现代主义逐渐被后现代主义和波普艺术取代时，格林伯格的思考反而是最为深入的时刻。所以，在某种意义上，这部成型于1970年代却出版于1999年的《自制美学》让我们一窥现代主义激情背后格林伯格的冷静反思。可以说，这是一部迟来的作品，但是它不合时宜的问世以及它闪烁的光华让它似乎缺乏一种年代感。

我们知道，关于格林伯格，人们更熟悉的是他发表于1939年的有名文章《先锋派与媚俗》。这篇文章将美国先锋艺术与苏联政治艺术、纳粹民族主义艺术以及美国商业艺术对立起来。如果说，人们更看重的是这篇文章的时代意义——即格林伯格的倔强姿态为美国现代艺术奠定了基调，那么，人们忽略的恰恰是他身上流露出的贵族式的犹豫、内向气质。在这篇文章中，人们应该看到，格林伯格的文章不仅具有文化政治的重要性，而且它拥有深远的欧洲理论渊源。

在该文中，格林伯格毫不忌讳地认为，在任何时代中，先锋艺术都是品味的立法者，它本应与统治阶层的精英站在一列，因为它本身正是来源于精英文化的孕育。对于他，先锋艺术和利奥塔的“后现代主义”一样，并不是一个受到时代限制的概念，而是一种打破媚俗的姿态，它可能会出现在任何时代。在这点上，格林伯格并不单纯是美国本土艺术的精神代言人，他还是欧洲与美国文化之间隐秘的精神桥梁。他与德国古典哲学，尤其是与康德美学的关系，赋予了他的批评一种美国同代人难以企及的深度。而且，他身上的犹太特质既与通俗意义上的美国精神拉开了距离，同时提供了一种对美国先锋艺术的新颖阐释。

如果说，《先锋派与媚俗》属于早期充满论战性质的文章，那么，《自制美学》则是写于先锋艺术衰落、波普艺术和后现代艺术登上舞台的阶段。这部作品的主体分为两部分。第一部分是由多篇写于1970年代的杂志文章组成。这些作品可以看作是他对其批评生涯的系统理论整理。而第二部分是根据1971年他在一个学院的讲座转抄出来，包括现场的演讲和问答环节。如果第一部分是退后一步的反思性总结，那么，第二部分是一种即兴的、现场的理论回应。

《自制美学》副标题中的“品味/趣味”（taste）一词是把握格林伯格美学的核心概念。它直接表明格林伯格美学深受欧洲大陆的影响，其中最直接的影响是康德的《判断力批判》中对品味的出色解释。格林伯格在书中要处理的重要问题是，究竟品味是客观的还是主观的？如果品味是主观的，那么美就不可能有一个标准，因为这样，每个人都能够以“一切皆可”的方式做艺术。如果品味是客观的话，那么平庸的、媚俗的艺术家就可以根据客观的标准创作出先锋艺术，这样先锋艺术就没有任何的先锋可言。

和一切出色的批评家和思想家一样，格林伯格的位置站在这两种简单立场之间。格林伯格和欧洲古典哲学一样，试图在人的直觉、判断和情感上寻找美的规律。我们知道，在康德对优美的论述中，品味这个概念的特殊性在于：它既是个体的一种感情，一种判断能力；同时也具有一种客观性，康德用“共通感”（Sensus Communis）来描述这种客观性——也就是说，个体感到美的事物，他人也可以感到。

在这个基础上，格林伯格试图用品味来重塑一种客观的美学。格林伯格更多用直觉这个词语去描述品味。他认为直觉和品味一样，具有主观性和客观性。首先，直觉是个体的主观感受。但是，个体要培养这种先锋的直觉时，他必然经过大量的、传统的审美熏陶才能发展出来。因此，直觉不知不觉中已经沾染了一种公共性，一种客观性，即康德的“共通感”。由此看来，这种直觉是位于主观与客观之间的一个公共地带里，并能激发他人在欣赏艺术时的创造力和主观性。他写道，这种“[知觉的、品味的]共识是隐含的，必要的。我们一直在用它，但就是不提它”（《自制美学》，中文版第34页）。

这样，我们大致可以推测为什么格林伯格将这本理论总结的作品命名为《自制美学》（homemade esthetics）。在书中，格林伯格似乎没有给出原因，但这并不妨碍我们读出它的多重意味。

一方面，自制美学固然可以理解为一种美国本土美学独立于欧洲美学的姿态。因为在格林伯格看来，他所提倡的“直觉”完全包含个体独特的民族性，如在波洛克和惠特曼的作品中体现出的美国大地性。但是，我们也可以将“自制”（homemade）理解为一种激进的个体性美学。这种美学首先考虑的是个体审美感受的重要性，因为，只有在个体自发的情感中，人们才能找到一种超越概念的公共情感。

而且，即使在格林伯格成为所谓的美国先锋精神的缔造者时，他仍旧没有抛弃自己的独立品味。格林伯格之所以推崇“抽象表现主义”，或者说他之所以能够在这个流派中找到共鸣，与他的犹太特质不可分离。可以说，抽象画最能体现犹太人拒绝偶像崇拜的美学观念，从而热衷于非再现的、非具像的绘画，转而在色彩、布局、线条、姿势的形式上而不是具像上找到情绪的表达。这无不展示出格林伯格流亡的贵族身份。

不难看到，格林伯格对审美个体性的强调，对品味的贵族式的推崇在二十世纪下半叶很快被抛弃。后现代艺术的精神与格林伯格格格不入。前者强调艺术的大众性、政治性、折衷性、商业性、情景性和时代性；而后者仍旧坚持个体贵族的精神性、独立性和不妥协的气质。这种激烈的冲突恰恰就是我们今天阅读格林伯格的起点。在一个艺术日益走向公共性而忽略个体灵魂的可能性的时代，阅读格林伯格的意义不仅是重温艺术史上一段迷人时光，而是重新发现个体感受的高贵品质和无限可能性。如同格林伯格在先锋艺术退潮后的冷静坚守一样，我仍在他的文字中捕捉到此种坚守所等待的最后那道曙光。

链接：http://www.thepaper.cn/newsDetail_forward_1703757

《自制美学》读后感(四)：克莱门特·格林伯格的“九夜谈”

当“它”正在发生的时刻

当你写的时候，这个正在发生的时刻/ 当你舞的时候，这个正在发生的时刻/ 当你读的时候，这个正在发生的时刻/

当你沉浸在任何一种创造性的个人体验中，你可能会突然在某个瞬间产生“自觉”或“自省”的心理反应。如果恰好你又读了一本书，比如克莱门特·格林伯格的《自制美学：关于艺术与趣味的观察》，你会发现“阅读”反过来对你自己的这种瞬时心灵体验是一种共时的印证，而最奇妙的巧合在于你不是有意识地去加以“验证”，而是在你长久坚持的行动之后，有一天，它突然降临了：一次超越灵感的顿悟。当不自觉的行为和有自觉意识的内省相互结合的时候，你的确又踏踏实实地前进了一大步。

◆以“我”之命名，返回两种创造情境

我浏览微博时，发现我关注的舞者Wang发了一条动态：她在一间舞蹈练功房里跳舞，她缓慢地走向趴杆，旋转、跳跃，身体折弯又复原，这是一段完全即兴的舞蹈。在短短几分钟内，她自己沉浸于这段有些莫名的舞蹈中，她自己给这支舞配的一句话：不知道在跳什么的什么。我想这是一次身体艺术（舞蹈形式）的自制，创作者（现代舞编排者）自然就地瞬间把一间普通练功房的一角演变成了和自己互动的“对话”他者。舞者并不是一个纯粹的表演者，她更接近于通过现代舞的即兴创作来探索自己，而被视频拍摄的记录过程就像一次做功课，当这个功课被提交给观众后，艺术作为媒介，期待看见它的观众给出一份“审美判断”：“主体性指的是任何让你成为自我的东西，这个自我内心有一些实际的、精神上的、功利的、孤僻的想法。在审美体验中，你要或多或少跟那个自我保持距离。审美判断时你变得客观了，就像推理时一样，推理同样需要你与私密的自我保持距离。无论是推理还是审美判断，客观性程度取决于你保持距离的程度。保持距离的幅度越大或者说越纯粹，你的趣味或推理就会越严谨，也就是说越精确。”（p.19，“第一部分文章 审美判断”）在这段即兴舞蹈的体验中，舞者虽然没有和观众直接接触，仅通过这种自我对话式的舞蹈展现，一种趣味诞生了，她给出了自己的一个判断：不知道在跳什么的什么。

而我在几年前找到了和自己联系的一种方式，那就是“写诗”，直到今天我才慢慢领悟到每个人都多少走过相似的一段路：寻找自己的路。不过大部分人走了一阵就会放弃继续探索自己，然而所有人都需要按照统一标准来生活吗？你自认为的那个更加“好”的标准和方式就需要推己及人吗？你不需要坚持这么做，因为每个人都明白什么“更好”，什么“最合适”自己。有时真的需要接纳和顺应“不同于自己”的周围世界和人。我喜欢和自己内在联系，不意味着别人要认同我的这种方式，我只是分享自己的感受：当我写诗时，就是在照镜子，我的内在模样、我的情绪、记忆（经验）都会在这个过程中浮现，我不再逃避自己。“诗歌”并非是脱离世界的呓语，它是用来和自己链接并打开封闭心门的钥匙。至于它是否能演化成艺术，需要自己的把握和度量，但无论如何，动笔时，它仿佛就在唤醒我们沉睡的想象力，重新看待“直觉”与“趣味”——“也许我们很难意识到一点，我们对事物的即时感知，就是一旦你注意到什么的那种‘直觉’，是无意识的，无法选择的。你可以强烈地体验艺术，不用有什么鲜活的自我意识，不用清楚地知道体验过程中意识里究竟是怎么一种状况。这里就有了思考的空间。而真正的趣味没有任何程序化成分，它的要求总是暗的，不是明的。”

我的灵魂很老了 老到夜里听见自己心跳的声音 打开一看 里面是一个婴儿 老到才知道自己是一个惊弓之鸟 草的呼吸都会惊吓 灵魂在一棵巨树下休息

醒了 树有一张微笑的脸 梯形人 摇摇晃晃 一步步抬头仰望

鹤鸣 每一次悲伤都会震落一颗星星 我才知道黑色和白色融合在一起 是一首落寞的歌谣 我的灵魂里有炊烟 你的归隐和出发地

虫语 透明的语言在掌心散开 月辉是我的外衣

我的灵魂里有你的样子 这满月般的荒凉 我能走向何处 性别都模糊的人呐

◆走进克莱门特·格林伯格的“九夜谈”

从一个舞者回旋动作结束，到一位诗人用一个标点符号结束，当然你还可以把自己参与或喜欢的任何一种艺术创造性行动都加入到一个“观察者”的艺术审美判断中，再回头来看格林伯格在本宁顿学院研讨会上的“九夜谈”，每一夜启动一个探访的序幕，直到最后一夜，他自己也不可能给出一个终极的答案，然而这确实是最好的研讨形式，因为给了读者一种继续思考、探索和想象的空间——“自制”的概念，清晰而明确地给出了一个艺术评判的起点：“成功的艺术家和成功的艺术爱好者存在着相仿的关系：成功的艺术家，将自己从私密的自我中剥离出来，克服超越了私密的自我，就像是成功的艺术爱好者一样。”

在九个夜晚之间轮转，在与发问人的对谈里，格林伯格和对话者明显在一种略带主观色彩的讨论氛围中，让问题始终围绕着“趣味”、“审美判断和直觉”、“体验与创新”展开，这些话题像猫头鹰信使一般从1971年的九个夜空扑簌而来，克莱门特·格林伯格以“自我”的直谏方式坦诚对艺术批评的态度：“其作品敢于坚持真理，为我们提供一条重要的预防措施，告诫我们不要在其他方面心存幻想。”从阅读者的角度而言，并不仅仅为其“专业性”所吸引，恰好是他探讨艺术批评专业领域的“事件以及概念”时的普世视角，尤其为人所折服。

从审美概念在艺术上的运用引发到对人性的探索——

审美直觉概念的牵一发而动全身：“当直觉告诉你天空的颜色，不告诉你天气是好是坏，它就成了一种审美直觉，只是在纯粹地体验这种颜色。任何可以体验的事物、任何可以进入意识的事物，都是可以用审美的方式去直接感知和体验的。你对一道风景的审美直觉，如果不通过语言、素描、音乐、舞蹈、默剧、绘画、雕塑或摄影等媒介表达出来的话，只是一种个人感受。”你明显地可以感受到，格林伯格同时也是在对一个个普通艺术爱好者传递美学批评的概念，他用一种简单朴素的方式来表述和呈现。

艺术与哲学的交叉互溶导向了最核心之处——

“审美性或艺术性是一种终极的、内在的价值，一种目标价值，这种价值始于自身、止于自身。为此，有哲学家认为，在道德和和审美的终极对决中，道德必须被审美同化，也就是说，任何东西，包括任何你真心爱着的人，如果你只是因为它本身而喜欢或珍爱，这种体验就是审美体验。”

最有力的引据即在本书中的九夜对谈方式。是“方式”引领了“内容”，还是二者兼顾？我想应该是后者：对谈这种颇具现场实录感的方式，被辑录成文，使得读者更加能发挥自己的想象空间，因为当代的人不缺少的恰好就是“视觉”式的即时呈现，当眼球追随屏幕的变换时，注意力也同时被分散。在第六夜里，格林伯格恰好就引用了亚里士多德的一段观点：“眼睛是最重要的感官，或者他说过眼睛是最具有思想性的感官，他的意思是眼睛会自动地把每一个概念、每一个类别与它看到的东西联系起来，它会自动的联系，比耳朵或其他的嗅觉、味觉和触觉器官都快。”眼睛，这种器官具有如此的重要性，它的敏锐和联动性与人的“心灵”紧密相连。于是，我们在第七夜里，又读到了这样一段：“我们周围的整个环境都是艺术，虽然他（此处指文中出现的克罗齐）没有继续下去，但我们无论做什么都将是艺术。你只需脑子一转，就可以站在一旁观察房间里都在开展哪些艺术活动。如果你经常反省，你会常常不经意间，无意识地不由自主地进行审美体验，并且浑然不觉，不以为奇。这种唯我、内向的艺术同样是艺术。”

汇聚于“核心”的即克莱门特·格林伯格的不伪饰艺术的“高雅”，他在1971年的这些对谈中，自我又谦卑得地坚持了自己，以“我觉得，我认为”这样直率的口吻说道：“我经过内省发觉，艺术愉悦——如果说艺术的确给人愉悦的话，就是指体会到一种超越认知本身的那种增强了的认知性。就仿佛是一时之间，通过超验性认知，我能掌控一切有可能影响我意识的事物，因此也就能掌控我的存在。”格林伯格仿佛从艺术向外求索、创造的各种经验中，体验到人类共有的最大创造性在于：存在。而这个存在并不以其他任何人或物为参照与彰显的价值感，是心理学意义上的，也是属于专业艺术领域的。他实现了一次“跨学科”的探索，返回到人本，如其所述：如果你只是因为它本身而喜欢或珍爱，这种体验就是审美体验。

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